El festival de cine de culto y explotación de PortoDiao.com, “Grainjaus!” continúa en el Teatro de Ancón con esta, la sesión 3 del festival dedicada a las Artes Marciales, a cargo de dos de los mejores exponentes del género. La experiencia comunal única que es ir al cine con amigos es puesta patas pa’ arriba en este festival, y todos los cinéfilos de SuperCine.net están invitados a participar. Este 30 de abril a las 8PM, podrán ver 2 películas, una detrás de la otra en uno de los teatros más antiguos de la Ciudad de Panamá… Bruce Lee vs. Tony Jaa, solo en Grainjaus!

Primero, Bruce Lee llega a un pueblo hasta las orejas en corrupción y se da cuenta que la única manera con la cual conseguirá paz es metiéndosela a los corruptos a punta de trancazos. La película que llevó a Bruce Lee a la fama no solo en su natal Hong Kong si no que por todo el mundo: “The Big Boss,” a.k.a. “Fists of Fury.” Después, Tony Jaa irá a Australia a buscar a los angloparlantes brujos que robaron su hermanito el elefante en “The Protector,” a.k.a “Tom Yum Goong.” Esta película cementa la reputación de Tony Jaa como un gigante del género, ya que no usa dobles, ayuda o efectos especiales en sus películas. Es simplemente increíble.

Estaremos regalando una copia original Special Edition de “The Protector” en DVD para el que game nuestro juego chupístico sorpresa, y como siempre habrá buena vibra con gente buena viendo buenas películas. Puedes gritar, saltar, hablar, y reaccionar como te plazca. El bar estará abierto para todos los que lleguen, todo a $4 por persona. Hay asientos limitados, pero puedes reservar boletos mándando un email a info[arroba]portodiao[punto]com con tu nombre, número de cédula y cantidad de boletos a reservar. Los cancelas la noche del evento en taquilla.

Para más información y direcciones de cómo llegar al Teatro de Ancón, visita el portal de Porto Diao. Grainjaus es posible gracias a Blogs Panamá y el ISAD, Centro de Animación.

Todos los cinéfilos de SuperCine están invitados a la Sesión 2 del festival de cine de explotación y culto organizado por Porto Diao: Grainjaus! Celebrando la resurrección de tan especial evento, Porto Diao ha asignado esta segunda sesión al homenaje a la era de explotación de cine orquestrada por los maestros Robert Rodriguez y Quentin Tarantino… “Planet Terror” y “Death Proof,” una detrás de la otra en la cinta “GRINDHOUSE.”

Hemos compilado las versiones originales de ambas cintas tal y como fueron puestas en los cines de Estados Unidos hace un año con subtítulos en español, al igual con los trailers especiales dirigidos por algunos de los directores más interesantes del momento: “Machete” de Robert Rodriguez y la participación de Danny Trejo, “Thanksgiving” por el director de “Hostel” y su secuela Eli Roth, “Don’t” por el director de “Shaun of the Dead” y “Hot Fuzz” Edgar Wright y finalmente “Werewolf Women of the S.S” de Rob Zombie. Además, habrán avances de las cintas que se mostrarán en las próximas sesiones al igual que otras sorpresas.

La noche de Grainjaus! tendrá lugar en el Theatre Guild de Ancón, al lado/detrás de la PTJ de Ancón. Este es el teatro más antiguo de Panamá, con más de 50 años de ser el único teatro que monta obras en ingles de la Ciudad de Panamá. La donación al TGA es de $4 por persona, y habrá un bar para que puedas disfrutar de unas buenas cintas con tus amigos. Si todavía no estás convencido, haz click aquí para visitar la noticia del evento de Porto Diao en donde podrás ver el avance de “GRINDHOUSE” y conseguir direcciones al TGA.

Este es un evento del que no te puedes perder si eres amante del cine y te gusta pasar un buen rato entre amigos. Trae un cojín y ganas de divertirte!

Mi padre es el tipo de persona mayor de 50 que se queja de todos y de todo; entre sus múltiples quejas, uno de los pocos puntos en los que concuerdo con él es que Hollywood ya no tiene imaginación; he hablado de ello tanto aquí como en mi sitio web y con amigos, la forma en que el cine estadounidense se siente cómodo con el prospecto de hacer secuelas, “remakes” y versiones multimillonarias de las cómicas que veíamos en los años 80. No estoy diciendo que todo “remake” y película que se apiada de nuestra nostalgia sea mala (ejemplos más recientes, a mi parecer, son “Transformers” y “TMNT,” entre otras) pero estoy de acuerdo con mi padre debido a la sencilla razón que cuando uno tiene los recursos para contar historias de esta manera, es muy fácil elaborar algo ya creado y reinterpretarlo. La originalidad puede parecer una tarea fácil, pero no lo es. Por eso es que el verdadero cinéfilo debe celebrar cada vez que encuentra una cinta que le da esa sensación de lo inesperado e inspirar emociones fuertes en él. Como Hollywood gana dinero dándole al público lo que quiere, sin embargo, hay una sequía de originalidad.

Pero de vez en cuando llegan unas películas provenientes de Hollywood, un puñado al año, que le dan esperanza al amante del cine. Cuando uno busca bien, se pueden encontrar historias increíbles en celuloide. Un ejemplo de esto es “Running Scared.”

Muy poca gente sabe de esta cinta, pues es una producción independiente con presupuesto igualmente “independiente” (increíble cómo $17 millones no se considera presupuesto de una mega producción en nuestros tiempos) dirigida por Wayne Kramer, famoso por su excelente film “The Cooler” (con William H. Macy, Maria Bello y Alec Baldwin) pero de más nada, y protagonizada por Paul Walker (“Rápido y Furioso” y su secuela), Vera Farmiga (“Los Infiltrados”), Cameron Bright (“X3,” “Gracias Por Fumar”) y Chazz Palmintieri (“The Usual Suspects”), entre otros. Estoy seguro que para muchos la presencia de Paul Walker como el actor principal de cualquier cinta les causarían ganas de vomitar ya que la percepción del señor es que es una cara bonita sin más que ofrecer, pero defiendo mi conclusión de que este papel es, y será, el mejor de su carrera.

En “Running Scared,” Walker interpreta a Joey Gazelle, miembro de la mafia en Nueva Jersey cuya función en el grupo es deshacerse de armas usadas en asesinatos perpretados por ellos mismos. La trama sale disparada de un cañón cuando policías corruptos liderizados por el detective Rydell (Chazz Palmintierri) irrumpen en un intercambio de drogas llevado acabo en un apartamentucho no más grande que una caja de fósforos, con intenciones de llevarse el dinero (y la droga) de Joey y sus compinches, incluyendo al hijo del jefe, “Tombs” Morello (Johnny Messner). Los 6 minutos consiguientes son un precedente de lo que está por venir en la cinta: un intenso tiroteo, estilizado como los grandes del cine. Al culminar el tiroteo que mata a varios agentes de la policía, el arma que fue usada le es dada a Joey para que se deshaga de ella. Al esconderla en su casa, donde reside con su esposa Teresa (Vera Farmiga) e hijo Nicky (Alex Neuberger), el hijo del vecino y mejor amigo de Nicky llamado Oleg (Cameron Bright) se la roba y la usa para asesinar a su padre Anzor (Karel Roden) después de soportar años de abuso y maltrato físico. A causa del miedo por lo que ha hecho, Oleg toma el arma y se da a la fuga, iniciando una búsqueda por parte de la policía con el detective Rydell, la mafia con “Tombs” y finalmente por Joey, ya que si cualquiera de los otros dos encuentra al niño y, por consiguiente, el arma, es hombre muerto.

Este es solo el comienzo de “Running Scared,” que ha sido descrita por varios críticos de la Internet como “The Warriors” si fuera dirigida por Quentin Tarantino: cada evento que ocurre en la cinta es progresivamente más intenso y brutal que el anterior y raya en lo absurdo pero con sensibilidades del “cine noir”; una película 100% conciente de sí misma que se da la libertad de no ponerse limites concierne a los temas y situaciones a los que va, estableciéndose en una hiper-realidad extrañamente verosímil y sumamente efectiva. La aventura en la que Oleg embarca apenas huye hace que la cinta asuma una modalidad narrativa similar a un cuento de hadas… o la versión perversa y visceral de una. Paul Walker es 100% como un manzanillo de la mafia desesperado por hallar el arma en cuestión, y la película no hace alardes del “héroe” de la película; la mayoría de la cinta muestra a sus personajes como amorales, o individuos que no tienen sus valores en regla… ni siquiera el héroe. A todo momento uno percibe que Joey mataría al niño Oleg sin pensarlo si es lo que tiene que hacer para sobrevivir. Es por razones como esta que la película es diferente a la mayoría de las cintas producidas en Hollywood en la ultima década.

Si la película tiene puntos en contra, uno de ellos tendría que ser un final que, a comparación con la energía frenética de las casi 2 horas que le preceden, me dio la sensación de que a la cinta se le fue el aire en los últimos 100 metros de la recta final. Curiosamente, sin embargo, comparándolo con la estructura narrativa del cuento de hadas que posee, el final es apropiado. Finalmente, los diálogos no están a la par de la violencia y cinematografía claramente de vanguardia… un dato curioso: la palabra “fuck” es dicha en la película 328 veces, un record de seguro.

“Running Scared” es una película singular – una cinta de acción para mayores de 18 (con clasificación “R” en los Estados Unidos) que no insulta la inteligencia del publico. Esta es la respuesta a las personas que defienden películas sin imaginación por ser “divertidas” y para pasar el rato. “Running Scared” arroya todas aquellas cintas sin sustancia, retando al público a ver qué tan lejos una película puede ir.

La imprenta y compañía multimedia Marvel Comics recientemente anunció que haría una secuela de la película “HULK,” dirigida por Ang Lee. La segunda parte, llamada “El Increíble Hulk,” saldrá en el 2008 y será dirigida por Louis Leterrier (“La Bestia,” “El Transportador 2”), con Edward Norton (“Fight Club,” “American History X”) reemplazando a Eric Bana como Bruce Banner. Hasta ahora han reemplazado de la misma manera al personaje de Betty Ross (originalmente Jennifer Connely, ahora Liv Tyler) y el de su padre, el General “Thunderbolt” Ross (originalmente Sam Elliot, ahora William Hurt). El productor y CEO de Marvel Avi Arad quiere reiniciar la saga de uno de los personajes más interesantes (y despreciados) del mundo del comic para que sea un monstruo haciendo lo que el público quería de la adaptación del 2003: ira, explosiones y mucha destrucción.

Lo interesante del asunto es que con todos estos reportajes de casting, tanto Avi Arad como los demás productores de la cinta han despreciado el film de Ang Lee públicamente, llegando al punto de decir sin pelos en la boca que la película es mala y fue un grave error por parte de todos los que la financiaron. Pues me cago en la mierda. Esta es la nueva técnica de los departamentos de mercadeo para hacerle borrón y cuenta nueva a las secuelas percibidas como “malas” por la mayoría del público… como dice el dicho, si no puedes con ellos… úneteles.

“Hulk,” a pesar de sus problemas de enfoque en cuanto la trama, es una de las cintas más originales estéticamente de los últimos 15 años. Optando por crear a Hulk 100% por computadora e innovar en el campo de edición para crear una visión totalmente original y más fiel al género del comic que “Sin City,” uno de los ejemplos más vivos en cuanto a adaptación de material, Ang Lee orquestó una cinta que es un deleite para cualquier fan de la magia del cine. Los problemas en la historia son considerables en ciertas partes, pero en mi opinión no es una mala película de ninguna manera. Pero claro, como es el caso de muchas cintas que fueron malinterpretadas y decepcionaron al público que esperaba una cosa cuando la cinta les dio otra (“Blade Runner” y “Donnie Darko” me vienen a la mente… el ejemplo más reciente de esto es “The Fountain”), la gente le teme a lo que no entiende, y como resultado fue tildada de mala. Esta percepción eventualmente hizo que la cinta fuera un fracaso en la taquilla… y usualmente cuando una película no le va bien en la taquilla, las posibilidades de una secuela no pintan bien.

El razonamiento es lógico: “La película no nos dio plata. Significa que la gente no la fue a ver porque es mala. Para qué voy a invertir en la parte 2 de una película que fue una porquería en la taquilla? Tengo que pagar la mensualidad del Maseratti… Qué va, vamos a hacer Shrek 4.”

Esa mentalidad murió en el 2007. Parece que la solución para poder hacer secuelas de películas que les fue mal en la taquilla es cagarse en la tumba de las primeras partes. No solo son los productores de “El Increíble Hulk” haciendo esto, si no también los productores (y el DIRECTOR) de la serie de “Ocean’s Eleven.” La 1ra parte, en sí un remake de la original de 1960 con Frank Sinatra, Dean Martin y los demás miembros del “rat pack,” fue y sigue siendo una de las películas más populares de los últimos tiempos; claro que irían a hacer una segunda parte, dirigida por el maestro Steven Soderbergh y el elenco estelar de excelentes actores que tuvo la primera. Con la mentalidad de un grupo de amigos que querían divertirse, Brad Pitt, Matt Damon, George Clooney, Soderbergh y los demás se fueron a Europa para filmar “Ocean’s Twelve” en el 2004. Lleno de referencias que solo los actores en pantalla entendían y un aire de hermetismo que convertía al público en voyeurs del mundo de estos ladrones profesionales, a nadie le gustó. Bueno, a nadie excepto a mí y a un par más.

Recientemente salieron comentarios de los realizadores de ambas cintas. Parece que ni a los actores ni al director les gustó “Ocean’s Twelve;” los comentarios vienen a la luz del estreno de la 3ra parte de la trilogía de Ocean, “Ocean’s Thirteen.” La tercera es supuestamente más a la par de la 1ra parte, ignorando totalmente a la segunda porque, como el público así lo dijo, aparentemente es mala. Ocurrencias como estas son las que me ponen triste por el panorama actual del cine Americano. Una cosa es que los productores de una película digan que la cinta que produjeron es mala para así lavarle el cerebro al público y hacer que quieran ver la nueva secuela… que el mismo director lo diga es algo totalmente diferente.

En los Estados Unidos (al igual que en el resto del mundo), el público es el que a fin de cuentas decide qué sale y qué no, pagando por su boleto. Que uno quiera ver mierda o no es su prerrogativa, pero un artista tiene que sentirse orgulloso de todo lo que hace sin importar lo que el público opine. Ahora que existe esta nueva moda, sin embargo, no solo veremos menos creatividad en el cine que vemos, sino que también veremos a cineastas unirse al público para así despreciar sus obras anteriores cuando venga al caso.

Es más, viéndolo de una forma estrictamente analítica, hacer 2 secuelas una detrás de la otra para así ahorrar dinero y poder generar mas ganancias de sus estrenos, inevitablemente astronómicos, usando una historia cuyos personajes principales son piratas, las personas más viles y sanguinarias de los últimos 500 años, me parece algo muy gracioso. La trilogía hace que la audiencia esté del lado de los malos, porque los malos son vistos en una luz heroica. Brillante. Es como en “Matrix,” en donde nuestros héroes son básicamente terroristas. Ahora los personajes de Neo y Jack Sparrow, ambos igual de piratas, son considerados iconos del cine.

Soy de la opinión que esta reciente sequía de creatividad comenzó cuando los hermanos Wachowski decidieron hacer dos secuelas para continuar la historia de “The Matrix,” estrenada en 1999. Cuando se anunciaron en el 2002 como “Matrix Recargado” y “Matrix Revoluciones,” empezó la moda de hacer secuelas una detrás de la otra, trilogías que en su mayoría no llenarían las expectativas del público convirtiéndolas así en perdidas de tiempo, y presupuestos exorbitantes.

Mi padre siempre ha dicho que Hollywood no tiene imaginación y creo que ahora estoy de acuerdo con él, y no solo eso sino que lo peor del caso es el amor del público hacia este tipo de producciones. La única razón por la cual hay cuatro entradas en la Biblia sagrada llamada “Scary Movie” es porque al público le gusta esa vaina, y pagan por verla. Los hermanos Wayans siguen con licencia para hacer filmes porque la audiencia sigue pagando para ver sus mierdas, sin importar qué tan insípidas sean. En contraste, películas con temas originales y visión única no resultan ser tan taquilleras durante su estadía en los cines porque no son tan reconocibles como, por ejemplo, ogros verdes y los burros q los acompañan, ambos generados por computadora. Es un verdadero crimen.

Soy un fiel seguidor del cine asiático. Amo el cine asiático porque nunca me decepciona entorno a la originalidad y creatividad con la que viene. Me gusta tanto el género que frecuentemente siento a mis amigos en las salas de sus casas para que veamos cintas nuevas que me han llegado con la esperanza de que tal vez, quién sabe, les guste ver películas originales también. Pero el resultado final, lamentablemente, es bautizarme como “el man con las películas raras” en tono despectivo. Recientemente tuve la oportunidad de formar una opinión al respecto y he llegado a varias conclusiones acerca del porqué se me desprecia por hacer lo que pienso es mi deber como amante del cine, esto de compartir películas extraordinarias con la gente que me importa. Mis observaciones pueden llegar al fondo del porqué las personas temen lo que no comprenden cuando se trata de cintas con originalidad.

En primer lugar, el lenguaje original de una película es determinante para formar opiniones acerca de la misma. Tony Jaa es increíble, y “Ong Bak,” su cinta debut, es una excelente película de acción con una historia definitivamente inspirada en las mejores cintas de acción en los 80’s para así darle mayor importancia a las habilidades asombrosas de Jaa. Mis amigos pensaron que la cinta era “rara.” “Tom Yum Goong” o “El Protector,” la siguiente película hecha con él como estrella principal, fue considerada aun más rara. Stephen Chow, uno de los dioses del cine en Hong Kong y considerado el Mel Brooks de Asia, logró estrenar sus últimas dos cintas en el continente Americano: “Shaolin Soccer” y “Kung Fu Hustle.” Ambas dan mucha risa, pero la película suya que, en mi opinión, da más risa que las demás es sin lugar a dudas “God of Cookery;” traducido viene siendo algo así como “Dios de la Cocina” o “Dios de la Cocinería” o alguna ahuevazón* así.

Como ellos vieron las películas estrenadas en Panamá pensé entonces que les gustaría ver más cintas suyas así que me senté con ellos para ver “Dios de la Cocinería” o como se llame. La tildaron de “rara” también, como si “Shaolin Soccer” y “Kung Fu Hustle” fueran las películas más cuerdas de la historia del mundo. La única diferencia de ambas experiencias cinemáticas fue que los filmes estrenados en los cines panameños vinieron dobladas en inglés, mientras que mi película venia en su lengua original (Cantonés, si no me equivoco)… es la única diferencia, pero parece ser una determinante.

Otro factor que merece ser explorado son los temas y conclusiones de las historias. Algunas de estas cintas (para no decir “la mayoría”) lidian con temas y situaciones bastante fuertes, al igual que una narrativa abstracta que demanda atención del público para que así la audiencia no se pierda al seguir la trama de la historia. No estoy diciendo que los filmes americanos se niegan a jugar con la forma y plantear temas fuertes, pero para darle credibilidad a este punto voy a listar varias películas que hacen exactamente lo que hablo:

1. The Fountain
2. Donnie Darko
3. Memento
4. Requiem For a Dream
5. Old Boy

Todas las películas en la lista plantean formas diferentes de narrar una historia e indirectamente le piden al público su total atención más allá del sexo, violencia o vocabulario obsceno que llevan. También fueron fracasos en la taquilla (a excepción de “Old Boy,” que tuvo un estreno pequeño y le fue bien) que encontraron su audiencia al salir en DVD. Quien lo hubiera pensado? La calidad temática (y popularidad) de películas americanas parece ser directamente proporcional a qué tanto los realizadores quieren que su demográfica piense al verla.

Esa es la razón por la cual las secuelas de Shrek y series como “Héroes” son más populares que entretenimiento temáticamente superior como “Brick” o “Battlestar Galactica.” Asumo que la raíz de esto está directamente relacionada con la definición subjetiva de la palabra “entretenimiento” y la estética distorsionada producida por el consumidor en masa. El argumento predilecto para frenas discusiones que se meten en la calidad de programas como “Héroes” y otros como “Lost” es que son simplemente distracciones para pasar el rato, y que nadie debería buscar algún significado escondido, mayor y magnánimo dentro de la integridad sólida de vainas como los programas que pasan por la televisión. Sin embargo, el concepto de “entretenimiento” es subjetivo; lo que yo determino ser “entretenido” tal vez no lo sea para otro, y viceversa. Soy de la opinión de que “Super Troopers” es una de las mejores comedias de los últimos 10 años, pero hay varias personas que no están de acuerdo conmigo (otra película “rara,” supongo…). Lo que sucede es que la opinión de que algo “rulea” o “sockea” viene de un punto de vista subjetivo que no tiene razón o culpa. A fin de cuentas, todo es cuestión de opinión.

Es cuando un grupo enorme de gente está en la misma frecuencia concierne su opinión hacia una determinada forma de entretenimiento que, de alguna forma, se convierte en la opinión establecida del colectivo. Por ejemplo, tenemos a “La Guerra de las Galaxias:” en lo personal, no me gustó la nueva trilogía tanto como la original pero estoy 100% seguro de que al decir que el Episodio III no es solamente una buena película pero también una de las mejores en la saga de Anakin y Lucho Camaninante Del Cielo, un par de lectores me querrán escupir la cara. El problema con este tipo de mentalidad es que aquellas personas no necesariamente al tanto de La Guerra de las Galaxias recogen la opinión de la mayoría (en este caso siendo que la nueva trilogía no debería existir) y la hacen suya sin explorar el porqué de esa opinión ni cómo ellos mismos se sienten al respecto. Y como el público está por las secuelas de “Scary Movie” y no por películas como “Old Boy,” esa es la razón por la cual recibimos tantas secuelas en vez de material original. Cuando el público quiere a Jet Li en más películas como “Romeo Debe Morir” en vez de “La Bestia,” tenemos un serio problema.

A fin de cuentas, esto de las secuelas (y los remakes, por cierto) no terminará hasta que el público no las quiera ver más. Sin embargo, la posibilidad de que esto ocurra parece ser básicamente nula, ya que han habido anuncios de más secuelas de Shrek, la culminación de la saga de Harry Potter y hasta nuevas adaptaciones de obras literarias como lo son Las Crónicas de Narnia con “El Principe Caspian” y la antitesis de la anterior, siendo la primera entrega de la saga “La Materia Oscura” por Phillip Pullman (la adaptación de la 1ra parte de la historia, “Las Luces Del Norte” o “The Golden Compass,” está por salir a finales del 2007). Por suerte siguen habiendo realizadores del cine que todavía traen algo nuevo al ruedo, y ahora con la Internet el mundo tiene una gran oportunidad para descubrirlos.

* Escribí la palabra originalmente como “awevasón,” pero Word me corrigió. Me dio risa, así que lo dejé así.

Me puedo imaginar al director de “Smokin’ Aces” Joe Carnahan sentado en su oficina de Los Angeles, circa 2004. Con el éxito que vino como resultado de “Narc,” su última película realizada en el 2002, se vio con la oportunidad de dirigir la tercera entrega de Mision Imposible 3, con Tom Cruise. Para hacer el cuento corto, Carnahan llegó a un pelo de empezar a filmar cuando el chaparro Mesías de la cientologia lo sacó abruptamente del proyecto para dar lugar a lo que pudimos ver el año pasado en los cines. La pre-producción de “M:I 3” fue muy comentada, y dejó a Carnahan exhausto y desilusionado con la maquinaria cinematográfica de Hollywood. Qué hacer cuando uno se siente sobresaturado y con ganas de expresarse libremente? Pues hacer lo que a uno le gusta, y Joe Carnahan hizo exactamente eso con su nueva película, “Smokin’ Aces.”

La trama es ridículamente familiar si se es fanático de las películas de Tarantino o Guy Richie: Buddy “Aces” Israel es uno de los cabecillas de la “Cosa Nostra” en Estados Unidos. Cuando su rival, en su lecho de muerte, pone una recompensa para que lo asesinen, Buddy decide que se va a entregar al FBI, dándoles toda la información que necesitan para desmantelar la mafia a nivel nacional, a cambio de protección.

Naturalmente, todo mundo y su abuela se entera de esto, y por medio del destino un grupo disparejo de matones, sociopatas, asesinos a sueldo, agentes federales y ex-policías convergen en un hotel de Lake Tahoe, Nevada… donde Buddy Israel reside, en el penthouse del mismo. Acción, violencia, sangre, balas (muchas balas), una que otra teta y Alicia Keys en shorts chuchones componen la trama esta cinta, una que mientras no tiene mucha sustancia o argumento que digamos, tiene todos los elementos de una película divertida y cargada de adrenalina.

Todos los personajes de la cinta (y hablo en serio cuando digo que todos) son básicamente caricaturas; muchos son los tipos de personajes que fácilmente podrían ser encontrados en un comic. El ejemplo primario de esto es definitivamente la inclusión de los Tremor Brothers, tres hermanos provenientes de padres diferentes que son lo peor que pudo haber salido del sur Estadounidense. Fanáticos del nihilismo, sociopatas, neo-nazis altamente peligrosos que cargan machetes, morteros, sierras eléctricas y ametralladoras con cero dudas a la hora de halar el gatillo, los Tremors son solo 3 de la docena de matones buscando cobrar la recompensa de 1 millón de dólares por llevarle a Primo Sparazza el corazón de su Némesis, Buddy “Aces” Israel.

Alicia Keys hace el papel de Georgia, una asesina a sueldo que junto a su compañera de “trabajo” Sharice (Taraji P. Henson) y su rifle calibre .50 van al hotel en busca de Aces. Hay más asesinos dando vueltas tratando de llegar al último piso, que está cerrado al público y repleto de guardias con armas de alto calibre: Pascale Acosta (Nestor Carbonell), Lazlo Soot (Tommy Flanagan) y El “Swede” (Vladimir Kulich) llegan bajo sus propios medios a intentar llegar al penthouse. Además, hay 3 ex-policías caza-recompensas contratados por Sparazza para traer a Buddy Israel, interpretados por el desaparecido Ben Affleck (de las películas de Kevin Smith, un par de Michael Bay, “Daredevil”), Peter Berg (director de “The Rundown” y “The Kingdom,” actor en películas como “Collateral,” “Great White Hype,” entre otras) y Martin Henderson (una sola palabra: “TORQUE”). Finalmente, el FBI es representado por Ryan Reynolds (“Van Wilder,” lo único salvable de “Blade: Trinity”) y Ray Liotta (quien colaboró con Carnahan en su ultima cinta “Narc”), dos compañeros de hace años que son asignados para recoger a Israel y llevarlo a Washington para que testifique.

Después de la introducción de los personajes, hecho en el estilo patentado por películas como “Snatch,” el diálogo inspirado por Tarantino pasa a ser un elemento de exposición para así unir las vidas de estos degenerados en Tahoe, todos con un solo objetivo: Buddy “Aces” Israel. La trama toma sus giros “inesperados” y discusiones sacadas de una de las miles de películas imitadoras de “Pulp Fiction” que salieron poco después del ’94, para así llegar a un explosivo tercer acto.

“Smokin’ Aces” no trae nada nuevo al ruedo, y será recordada como una película entretenida que canaliza a Tarantino vía un proxy de Guy Ritchie, ajustado para que sea inherentemente americana con el uso de la estética visual que identifica la visión cinematográfica de Carnahan. A resumidas cuentas, es una película que cualquier fan de películas de gangsters, acción y elencos espectaculares apreciará. No es recomendada para aquellas personas buscando sustancia y argumentos sólidos en las cintas que ve, ya que esta no tiene nada de ambas.

Pero sí tiene a Alicia Keys en shorts chuchones.

Aunque ya está siendo anunciada en los cines Panameños, todos aquellos curiosos pueden adquirirla en DVD tanto en línea como en tiendas de DVD de la localidad. Yo la compre y no me arrepiento, porque es el tipo de película perfecto para cuando llego a la casa de un largo día de trabajo y no tengo ganas de pensar en nada, si no simplemente divertirme.

Un día de verano de 1984 dos amigos (y artistas de la escena independiente del comic) tomaron lápiz y papel para así desahogarse a costa de los títulos más populares de su época: Daredevil: El Hombre Sin Miedo y Nuevos Mutantes de la casa Marvel, Cerberus de Dave Sim y Ronin de Frank Miller. Llevando su sátira al nivel más absurdo posible, los dos artistas recogieron todo el dinero que pudieron y, con la ayuda de un préstamo de parte del tío de uno de ellos, Kevin Eastman y Peter Laird publicaron la primera edición de “Las Tortugas Ninja Adolescentes Mutantes.”

El tiraje se vendió instantáneamente, y fue en ese momento que los creadores se dieron cuenta que la historia de 4 tortugas alteradas genéticamente por una sustancia desconocida en un alcantarillado llegaría a ser no solo uno de los iconos de los años 80, sino un fenómeno cultural de proporciones épicas que no solo llevó el concepto de “la cómica vende el juguete, mientras que el juguete vende la cómica” a niveles ridículos sino que también le abrió las puertas a todo artista y su mamá para que lograra publicar su producción independiente sin los problemas con los que se topaban antes de este suceso. La popularidad de las Tortugas Ninja lograda por la cómica, sin embargo, fue un arma de doble filo; es cierto que las Tortugas Ninja iniciaron una revolución en el sector independiente de los comics, trayendo el género a las masas comerciales, pero con ello vino un precio muy alto.

La cómica diluía de sobremanera el tono original del comic para así hacerlo más mercadeable a la demográfica joven. Como resultado, no solo se perdió la violencia, comentario social y tono adulto de la historia original, sino que rápidamente el mundo fue invadido por las Tortugas Ninja, versión cómica. Juguetes, cereales, artículos para la escuela, de cocina, juegos de mesa, espectáculos para niños en parques de diversiones, libros para colorear, y hasta 3 películas salieron de la tortumanía. Todo lo que sube tiene que bajar, y una vez que se abusó de la imagen de los reptiles mutantes vino la siguiente moda,… y las tortugas fueron dejadas atrás.

Recientemente (2003), después de casi 10 años de publicar el comic sin el alboroto de los medios y así creando uno de los títulos más diversos en todo el mundo de la novela gráfica, hubo una resucitación de la franquicia con una nueva cómica, esta vez con los creadores originales al mando y con un enfoque más serio, al igual que la política de mantenerse fiel al material original. Como resultado, la nueva serie de las Tortugas Ninja Adolescentes Mutantes acaparó la atención de tanto la generación que creció con ellos en los años 80 como el público joven que espera mucho más de su entretenimiento que yo cuando era niño. Usando la popularidad renovada, el estudio Imagi, radicado en Hong Kong, produjo la 4ta película de la saga, llamada simplemente “TMNT.”

Expuse la historia de las Tortugas porque esta película, ya en cartelera, no lo hará: “TMNT” asume que su audiencia ya está familiarizada con el origen de estos 4 hermanos y su padre/sensei que resulta ser rata, y por esa razón no se toma el tiempo de hacer introducciones concierne a los personajes principales. Haciendo referencias a las 3 películas que la precedieron pero sin aferrarse a ellas, esta cinta comienza con un equipo que se ha separado con el pasar del tiempo. Leonardo, el centro espiritual del grupo, se encuentra en las junglas de Sudamérica, entrenando para ser un mejor líder. Rafael, el renegado, no le sienta bien la decisión de su hermano y se ha dado a la vida vagabunda. Mientras tanto, los otros dos hermanos han conseguido trabajos, con todo y que no pueden ser vistos por la sociedad: Donatello, el cerebro, trabaja desde su casa desempeñándose en lo que solo él podría hacer y Michelangelo, el fiestero, trabajando como… ehh, lo que solo él podría hacer. Abril O’Neil dejó de ser reportera/asistente para tomar trabajos más peligrosos usando a Lara Croft como modelo a seguir, y Shredder ha muerto. Los únicos que no han cambiado son Splinter, el padre adoptivo de los hermanos y Casey Jones, el novio de Abril y aparentemente el único justiciero que le da la cara al hampa que ha tomado la ciudad de Nueva York de rehén… bueno, él y el misterioso NightWatcher.

El destino (y una nueva amenaza) reúne a Leonardo con su familia para así regresar a los buenos tiempos de las Tortugas Ninja. Un empresario quiere recoger a sus “generales” de piedra y así dominar al mundo… solo las tortugas, con la ayuda de sus amigos, pueden detenerlo, pero primero tienen que resolver sus diferencias y trabajar como equipo una vez más…

Cualquier persona mayor de 20 que esté en contacto con su niño interno se verá inundado por la nostalgia. Hay algo muy gratificante en ver a las tortugas en acción nuevamente, y en lo personal hubo muchos momentos en los que soltaba una risa idiota por los detalles que tiene la película. La tensión entre Leonardo y Rafael, Donatello peleando con su “Bo” y hasta las veces que Michelangelo dice “cowabunga,” un frase totalmente estúpida ahora que lo pienso bien, me tenían tan pendiente como al niño de 10 años que le acaban de dar el juguete más espectacular de la historia.

En los aspectos técnicos del estudio Imagi superaron expectativas; la decisión de hacer esta cuarta parte de la saga en animación por computadora fue muy acertada, especialmente con el estudio situado en Hong Kong al mando. Habrán escenas (automáticamente pienso en una escena clave de la película que da lugar en el techo de un edificio mientras llueve, con dos personajes que se tienen ganas de partir en pedazos desde que se re-encontraron al principio de la película) que son simplemente asombrosas, y los detalles en las tortugas fueron trabajadas hasta el cansancio. Sin embargo, los personajes mantienen un aire de cómica que combina muy bien con el ambiente que se plantea, dando lugar a mucha acción y aventura con todos los elementos que uno puede esperar de las películas taquilleras de hoy en día.

Aunque sigue siendo un comercial para vender juguetes disfrazado de película animada (una cuña que funcionó al 100% ya que los diseños de los personajes, y especialmente de los generales de piedra, son excelentes. Ya me veo comprando la línea entera) y te deja con la sensación de que es el primer episodio de una nueva serie de las Tortugas Ninja, “TMNT” es altamente recomendada para todo niño que creció en los 80´s y lleva los recuerdos de su infancia bajo el hombro.

Ahh… y para bien o para mal, no hay Vanilla Ice en esta película.

Basada en la novela gráfica escrita por la leyenda del comic Frank Miller y la ilustradora Lynn Varley (ex esposa del creador), que a su vez es inspirada en la famosa Batalla de las Termópilas, “300″ se estrenó en salas de cine Panameñas el pasado 30 de Marzo. Decir que me gustó la cinta no describe en su totalidad mi apreciación hacia la misma, ya que el film dirigido por Zack Snyder (el mismo de la nueva versión de “El Amanecer de los Muertos”) reúne 3 de mis más grandes pasiones: el cine, los comics (o novelas gráficas, si es que uno quiere tirárselas del más serio), y la era greco-romana.

En el 2004, cuando se anunció que el director Robert Rodríguez (la trilogía de El Mariachi y Spy Kids, Del Crepúsculo al Amanecer) iba a dirigir una película basada en la serie de novelas graficas de Sin City, escritas por Frank Miller, 100% fieles en cuanto al “look” de las mismas, la mayoría de los críticos desestimaron la idea. Su criterio fue reforzado cuando se anuncio que la cinta se filmaría en su totalidad con la ayuda de computadoras, filmando a los actores frente a fondos verdes para así añadir los ambientes y demás efectos en post producción. Nadie sabia qué esperar de Rodríguez y Miller, este último tomando también el manto de co-director además de productor y guionista, considerando que la ultima cinta en usar el método del “fondo verde” (“Star Wars Episodio II: El Ataque de los Clones”) fue una decepción para muchos… de repente, algo interesante ocurrió: los avances aparecieron en la Internet, acaparando la atención de millones y provocando análisis y comparaciones de escenas de la película con pasajes de las novelas gráficas; en algunos casos, las imágenes parecían dos gotas de agua. Para cuando se estrenó la cinta, “Sin City” ya había sido considerada un triunfo de tanto la tecnología gráfica como de lo que uno puede hacer con tan poco dinero (“Sin City” es una película que debió haber costado $100 millones de dólares pero Miller y Rodríguez la realizaron por $40 millones, cuadruplicando dicha cifra en taquilla y DVD). Siguiendo la tradición del respeto al material original de donde se adaptan las obras de un autor, Zack Snyder realizó, con la asesoría del autor, la obra “300,” relatando los acontecimientos de la Batalla de las Compuertas Termales (o Puertas Calientes) en donde 300 soldados Espartanos se enfrentaron a las fuerzas invasoras provenientes de Persia… el ejercito mas grande de la historia, con más de un millón y medio de soldados. Este film es protagonizado por Gerard Butler como Leonidas, el rey de Esparta en el año 480 A.C.

Si lo que buscas es una cinta que sigue los hechos históricos del relato al pie de la letra, entonces “300” no es para ti; la trama es simple sin enredos, como todo buen film de acción debe ser. Pero claro, juzgando por los posters y avances, aquella persona que pague su boleto para verla no lo estará haciendo por su valor histórico… y como película de acción, “300” cumple de tal manera que será recordada en la posteridad.

Frank Miller es el tipo de autor cuyos diálogos no son fáciles de digerir una vez habladas por los actores; sin embargo, debido a las actuaciones de Gerard Butler (el Rey Leónidas, el personaje principal y la razón primordial de porque “300” será recordada por muchos años), Lena Headey (la Reina Gorgo, una mujer a la par del rey, bella, fuerte e inteligente), David Wenham (Dilios, nuestro narrador) y la compañía de actores que conforman la película se convierte en un espectáculo lleno de momentos memorables, frases dignas de cita y una cinematografía impecable. Han habido críticos que comentan acerca del contenido político que puede o no tener la película debido al momento en que estamos viviendo con tanta guerra y sufrimiento, pero dado el hecho que uno, tras analizar la película un poco más a fondo (algo que los realizadores nunca quisieron, estoy seguro) es fácil ver que ninguno de los bandos en conflicto es bueno o malo… o mejor dicho, se puede decir que cualquiera de los dos puede ser el héroe o villano en relación con la guerra que se desarrolla en el Medio Oriente. Lo que eleva a “300” de ser una película de acción común y corriente no es su contenido político, ni la destreza técnica de los realizadores; debido a la técnica de los ya-mencionados “fondos verdes” utilizados en esta producción, Snyder ha creado una “hiper realidad” en donde absolutamente todo, desde los cielos inspirados en Monet, los cambios de color y hasta las criaturas asombrosas que aparecen a lo largo de la cinta es verosímil con el ambiente en donde los Espartanos batallan contra los Persas.

Aunque no es una adaptación tan fiel como lo fue “Sin City,” tiene la marca de Miller en todo momento, perfeccionado por la sensibilidad artística y toque maestro de Snyder. Sangre digital, decapitaciones y extremidades volando por el aire son captadas por el lente hiperactivo del director, jugando con la velocidad de la acción para que así el espectador vea absolutamente todo, con lujo de detalle. La suma de todas las partes mencionadas hacen de las escenas de batalla clásicos del cine moderno, como la escena del lobby en “The Matrix” y la escena del pasillo con el martillo en “OldBoy,” entre otros.

Si hay alguna crítica que merece ser mencionada, es que para que una cinta con el calibre estético de “300” pueda ser apreciada como debe ser, se debe ver en una pantalla digital. Los granos y sucio presentes en las presentaciones de hoy en día, aunque sean parte de la experiencia de ir al cine tanto como lo es compartir con una audiencia, le quitan lo que debe ser verdaderamente bello en una sala digital… o IMAX, si habamos de algo con mayor escala. Sin embargo, “300” es un film altamente recomendado tanto para aquellos fanáticos de acción como los del genero del comic.