Acabo de ver esta película y sentí un fuerte deseo de hablar de ella. Como en casi todas las películas habrá gente que la odie y crea que la película y el final son estúpidos y gente que la encuentre absolutamente brillante.

Se puede percibir claramente la influencia de Guillermo Del Toro, quien es el productor, y la comparación con “El Espinazo del Diablo” e incluso con “El Laberinto del Fauno” son inevitables, a pesar de que Del Toro no es el director, sino Juan Antonio Bayona, de quien la verdad no conozco absolutamente nada.

La historia es bastante sencilla, pero no creo que exista una única manera de interpretarla. Es una de esas películas que si vas a verla con otras personas, cada uno tendrá una explicación diferente a lo que acaban de ver. Trataré de resumir la premisa sin revelar demasiado:

Laura (Belén Rueda) se muda con su esposo Carlos e hijo Simón a la casona que en un tiempo fue el orfanato donde ella creció, con el propósito de reacondicionarla y que funcione como una residencia para niños con necesidades especiales. Simón, como la mayoría de los niños pequeños que pasan mucho tiempo solos, tiene amigos imaginarios y al mudarse a la casa conoce a uno nuevo de nombre Tomás. De lo que pasa después creo que es recomendable que no les cuente más nada, lo que sí les puedo decir es que no piensen que es la misma historia de “Hide and Seek“.

El Orfanato es una película para asustar a la gente, eso no lo voy a discutir, pero utiliza un método muy sutil para lograr su cometido que me hizo recordar a “The Others“. Si prefieren el método de películas como Hide and Seek, quizás esta no sea una buena recomendación.

Supongo que ya pueden deducir a qué grupo de los que mencioné en el primer párrafo pertenezco…sí, soy de las que piensa que es brillante, sin embargo no todo es perfecto, ya que hay algunas cosas que parecen fuera de lugar y no faltaron los sustos baratos tipo “BUH!”, pero no puedo evitar apreciar una película que trata de asustarte contándote una historia que te hace sentir un vacío muy frío en tu interior. Creo que la mejor manera de describirla es como una película de miedo y no una película de horror, si sabes cuál es la diferencia entre las dos seguro podrás apreciar esta historia.

Bueno a mí si me gustó pues.  Todas las apuestas van en contra de la película, el tomatómetro marca un 23%,  Manhola la desbarató en el NYT, pero con la más morobosa intención, como quien va corriendo a ver lo que quedó del tipo que se aventó del 15vo piso, fuí a ver la película.

Y me encontré con una película que tiene buen ritmo, es divertida y recuerda mucho del humor de Gabo cuando escribe. Ahora, hay que entender que nada de lo que escribe García Márquez se puede poner en la pantalla grande, en un cuadro o en una canción, eso es una relación entre GGM y el lector. De hecho te sientes acompañado cuando estás leyendo algo del tipo.

 No es tampoco que le vamos a dar un óscar a la película, pero cumple una misión mucho mas noble, que te den las ganas de buscar más y de leer la historia original.

El amor como un enfermedad. Como un estado.  Como algo que ya llegó y que no se va a ir. Algo que molesta y que te jode la vida. Para siempre.

 Vayan a verla.

 pd.: También me gustó la música de Shakira pues!

Mi padre es el tipo de persona mayor de 50 que se queja de todos y de todo; entre sus múltiples quejas, uno de los pocos puntos en los que concuerdo con él es que Hollywood ya no tiene imaginación; he hablado de ello tanto aquí como en mi sitio web y con amigos, la forma en que el cine estadounidense se siente cómodo con el prospecto de hacer secuelas, “remakes” y versiones multimillonarias de las cómicas que veíamos en los años 80. No estoy diciendo que todo “remake” y película que se apiada de nuestra nostalgia sea mala (ejemplos más recientes, a mi parecer, son “Transformers” y “TMNT,” entre otras) pero estoy de acuerdo con mi padre debido a la sencilla razón que cuando uno tiene los recursos para contar historias de esta manera, es muy fácil elaborar algo ya creado y reinterpretarlo. La originalidad puede parecer una tarea fácil, pero no lo es. Por eso es que el verdadero cinéfilo debe celebrar cada vez que encuentra una cinta que le da esa sensación de lo inesperado e inspirar emociones fuertes en él. Como Hollywood gana dinero dándole al público lo que quiere, sin embargo, hay una sequía de originalidad.

Pero de vez en cuando llegan unas películas provenientes de Hollywood, un puñado al año, que le dan esperanza al amante del cine. Cuando uno busca bien, se pueden encontrar historias increíbles en celuloide. Un ejemplo de esto es “Running Scared.”

Muy poca gente sabe de esta cinta, pues es una producción independiente con presupuesto igualmente “independiente” (increíble cómo $17 millones no se considera presupuesto de una mega producción en nuestros tiempos) dirigida por Wayne Kramer, famoso por su excelente film “The Cooler” (con William H. Macy, Maria Bello y Alec Baldwin) pero de más nada, y protagonizada por Paul Walker (“Rápido y Furioso” y su secuela), Vera Farmiga (“Los Infiltrados”), Cameron Bright (“X3,” “Gracias Por Fumar”) y Chazz Palmintieri (“The Usual Suspects”), entre otros. Estoy seguro que para muchos la presencia de Paul Walker como el actor principal de cualquier cinta les causarían ganas de vomitar ya que la percepción del señor es que es una cara bonita sin más que ofrecer, pero defiendo mi conclusión de que este papel es, y será, el mejor de su carrera.

En “Running Scared,” Walker interpreta a Joey Gazelle, miembro de la mafia en Nueva Jersey cuya función en el grupo es deshacerse de armas usadas en asesinatos perpretados por ellos mismos. La trama sale disparada de un cañón cuando policías corruptos liderizados por el detective Rydell (Chazz Palmintierri) irrumpen en un intercambio de drogas llevado acabo en un apartamentucho no más grande que una caja de fósforos, con intenciones de llevarse el dinero (y la droga) de Joey y sus compinches, incluyendo al hijo del jefe, “Tombs” Morello (Johnny Messner). Los 6 minutos consiguientes son un precedente de lo que está por venir en la cinta: un intenso tiroteo, estilizado como los grandes del cine. Al culminar el tiroteo que mata a varios agentes de la policía, el arma que fue usada le es dada a Joey para que se deshaga de ella. Al esconderla en su casa, donde reside con su esposa Teresa (Vera Farmiga) e hijo Nicky (Alex Neuberger), el hijo del vecino y mejor amigo de Nicky llamado Oleg (Cameron Bright) se la roba y la usa para asesinar a su padre Anzor (Karel Roden) después de soportar años de abuso y maltrato físico. A causa del miedo por lo que ha hecho, Oleg toma el arma y se da a la fuga, iniciando una búsqueda por parte de la policía con el detective Rydell, la mafia con “Tombs” y finalmente por Joey, ya que si cualquiera de los otros dos encuentra al niño y, por consiguiente, el arma, es hombre muerto.

Este es solo el comienzo de “Running Scared,” que ha sido descrita por varios críticos de la Internet como “The Warriors” si fuera dirigida por Quentin Tarantino: cada evento que ocurre en la cinta es progresivamente más intenso y brutal que el anterior y raya en lo absurdo pero con sensibilidades del “cine noir”; una película 100% conciente de sí misma que se da la libertad de no ponerse limites concierne a los temas y situaciones a los que va, estableciéndose en una hiper-realidad extrañamente verosímil y sumamente efectiva. La aventura en la que Oleg embarca apenas huye hace que la cinta asuma una modalidad narrativa similar a un cuento de hadas… o la versión perversa y visceral de una. Paul Walker es 100% como un manzanillo de la mafia desesperado por hallar el arma en cuestión, y la película no hace alardes del “héroe” de la película; la mayoría de la cinta muestra a sus personajes como amorales, o individuos que no tienen sus valores en regla… ni siquiera el héroe. A todo momento uno percibe que Joey mataría al niño Oleg sin pensarlo si es lo que tiene que hacer para sobrevivir. Es por razones como esta que la película es diferente a la mayoría de las cintas producidas en Hollywood en la ultima década.

Si la película tiene puntos en contra, uno de ellos tendría que ser un final que, a comparación con la energía frenética de las casi 2 horas que le preceden, me dio la sensación de que a la cinta se le fue el aire en los últimos 100 metros de la recta final. Curiosamente, sin embargo, comparándolo con la estructura narrativa del cuento de hadas que posee, el final es apropiado. Finalmente, los diálogos no están a la par de la violencia y cinematografía claramente de vanguardia… un dato curioso: la palabra “fuck” es dicha en la película 328 veces, un record de seguro.

“Running Scared” es una película singular – una cinta de acción para mayores de 18 (con clasificación “R” en los Estados Unidos) que no insulta la inteligencia del publico. Esta es la respuesta a las personas que defienden películas sin imaginación por ser “divertidas” y para pasar el rato. “Running Scared” arroya todas aquellas cintas sin sustancia, retando al público a ver qué tan lejos una película puede ir.

“As for the sheep forever flocking in the background, even with whited-out eyeballs they barely raise a chill. If you fancy something undemanding, or if you simply fancy Bello, then go ahead, but don’t say we didn’t warn ewe… ”

En cuanto a License to Wed,  el ataque fué cortesía de los Americanos, A.O Scott , NYT:

 ”As for myself, I will confess that the only thing that kept me watching “License to Wed” until the end (apart from being paid to do so) was the faith, perhaps misplaced, that I will not see a worse movie this year. Come to think of it, the picture might be useful in certain circumstances, much in the way that Reverend Frank’s training program is supposed to be. If the beloved with whom you see “License to Wed” can’t stop talking about how great it was, you might want to cancel the nuptials. Or, if it’s too late for that, call a lawyer… Slickly directed by Ken Kwapis from an incoherent and derivative script by writers whose anonymity it may be kinder to protect, “License” contains not a single emotionally credible or comically revealing moment.”

Disturbia, aparentemente no esta mala, pero tampoco esta buena, solo si no has tenido suficiente de Shia Lebauf, el personaje principal de Transformers  y tienes ganas de ver otra teen movie.. be my guest.

Por lo tanto,  ve al video, busca una pelicula vieja y buena (Hannibal?) y la ves de nuevo, eso es lo que puedo recomendar.

No vayas al cine este fin de semana.

Movie Review

Knocked Up (2007)

June 1, 2007

Bye-Bye, Bong. Hello, Baby.

By A. O. SCOTT

Published: June 1, 2007

It may be a bit, um, premature to say so, but Judd Apatow’s “Knocked Up” strikes me as an instant classic, a comedy that captures the sexual confusion and moral ambivalence of our moment without straining, pandering or preaching.

*****

Lei esto en el NYT, y no segui leyendo mas. Creo que es una buena recomendacion para este fin de semana.

Enjoy!!

***
Update & Spoilers and strong spanish is sponsored by Superlenin
****
Despues de ver la película, tengo que decir que esta buena; y tiene los pies en la tierra.

Aparentemente si es posible que lo logren dos personas que son totalmente diferentes, dependiendo de la motivación que tengan de por medio.

Algo que me sorprendió de la película es que hay una extraña unión en la familia del personaje de la embarazada (Allison) , para ser gringos; en donde la hermana se queda a vivir en casa aun teniendo un trabajo en E! . Quizás es una visión fantastica del director o nos estamos perdiendo algo de la realidad de US and A.

Allison Scott
Fue una buena decisión tomar a la más fresca, emotiva y sanguínea del cast de Grace Anatomy, Katherine Heigl, como la heoína de la historia. No hay nada mas atractivo que una gringa como ésta diciendo obscenidades a altos decibeles. Aunque según lo que leo Katherin Heigl es mitad Irlandesa y mitad Alemana. Nota mental: a los gringos les encanta esto de que “soy un cuarto indio guajiro, un tercio mulato, tres partes irlandes y canadiense los domingos por la tarde.

Ben Stone
El tipo es un cagón. No hay otra definición posible. También es judío, imagino que en una parte del mundo en donde ser judío no es una ventaja. Y canadiense.. Es un standard geek, por lo que me identifiqué muchisimo con el personaje.
Aparte de que es muy desordenado, tiene cuentas pendientes y si, vi fragmentos de mi vida pasar por la pantalla el dia que fui a ver la pelicula, lo que me hace pensar de que no somos tan diferentes los habitantes de este planeta. La caracterización de la vida desordenada de Ben Stone es genial.

Ben y Allison
Ya te hablé de los spoilers verdad? si no has visto la pelicula, leg it!. El momento más dramático de la pelicula no ocurre ni en la sala de parto, ni cuando el personaje tiene una epifanía y cambia su vida para ser un buen padre. Ocurre cuando los amigos (la realidad) de Allison se encuentran con Ben y Allison (la posibilidad) en un estacionamiento y alli ocurre. Allison dice “este es mi amigo” se siente avergonzada de su acompañante, el libretista en este momento en una jugada excepcional, cambia la situacion a cómica utilizando la estupidez de Ben como un as bajo la manga. “Han escuchado el slogan de no beban y manejen…”

La familia
La familia de la hermana de Allison es un solo personaje. Y se llama rutina. La moraleja de la pelicula es que tienes que mandarlos a todos para el carajo.

Disfrutenla.

Luego de 2 años de la cinta original nos llega la segunda parte de esta historia la cual sigue al nuevo jugardor del Newcastle United, Santiago Muñez y como el mismo optiene otra gran oportunidad en su vida y es contratado por el Real Madrid uno de los equipos mas grandes de futbol a nivel global. Santiago en esta oportunidad se da a perder en el mundo del exceso viviendo la vida de los ricos y famosos, pero tambien perdiendo su relacion de pareja.

La cinta retoma de una excelente forma el punto donde concluyo la primera y le da una buena continuidad a la serie, ya que los personajes siguen siendo interpretados por los mismos actores y todos los actores de la primera encajan de una manera perfecta en la segunda sin forzar mucho la historia, esta cinta es una recomendacion para un domingo por la noche con la familia solo si ya han visto la primera, la misma tiene un buen mensaje y hace que uno pase un buen rato.

IMDB le da 6.0 de 10 lo cual creo que es una puntuacion apropiada para esta cinta se las recomiendo para un rato de entretenimiento.

Esta es una cinta americana la cual narra un poco de la historia del Sr. Brooks un hombre respetado en la comunidad, un padre de familia amorosa, pero un hombre con un secreto oculto el cual es dominado por su alter ego.

La misma explica algunas complicaciones que vienen a la vida del Sr. Brooks debido a su peculiar adiccion y de como el mismo logra manejarla. En mi opinion una pelicula deliciosamente maquiavelica la cual te deja pensando bastante en los personajes y como era la vida de ellos antes de los eventos de la misma y a la vez te hace alentar al Sr. Brooks para que siga haciendo lo que hace tan bien, no tanto como el placer que da ver a un Anthony Hopkins haciendo el papel de Hannibal Lecter, pero si de un personaje retorcido y maquiavelico el cual uno llega a apreciar.

IMDB le da un 7.0 de 10

**

Noe es demócrata. Noe es Americano. El mundo entero cabe en Nueva York.  Esta película es pura propaganda. Y no es algo refinado y de buen gusto como An Unconvenient Truth (Propaganda al fin,  pero mas entretenida). 

La historia es muy simple , la trama es totalmente predecible y nos hace recordar  el humor básico que le encanta a los Americanos.

Es una pelicula para televisión. Y  si la vieras en televisión la estarías viendo en Hallmark Channel.  No hay absolutamente ninguna línea memorable y como la fresa en el icing de una película boba , me ponen a la mamá de Gilmore Girls (Lauren Graham). Por el amor de Dios.

Cuesta mucho pensar que el mismo actor que hizo tremendo papel en Little Miss Sunshine (Steve Carell)  hace de Noe en esta película. Para todos los efectos del caso son dos actores diferentes.

Solo falta el logo de Alianza para el progreso al final de la película.

Morgan Freeman..  tampoco tiene mucho que hacer. Aparentemente frente a un libreto flojo, no hay salvación.

Pero si tienes calor, y te interesan 90min. + comerciales de aire acondicionado, es una buena excusa.

Me puedo imaginar al director de “Smokin’ Aces” Joe Carnahan sentado en su oficina de Los Angeles, circa 2004. Con el éxito que vino como resultado de “Narc,” su última película realizada en el 2002, se vio con la oportunidad de dirigir la tercera entrega de Mision Imposible 3, con Tom Cruise. Para hacer el cuento corto, Carnahan llegó a un pelo de empezar a filmar cuando el chaparro Mesías de la cientologia lo sacó abruptamente del proyecto para dar lugar a lo que pudimos ver el año pasado en los cines. La pre-producción de “M:I 3” fue muy comentada, y dejó a Carnahan exhausto y desilusionado con la maquinaria cinematográfica de Hollywood. Qué hacer cuando uno se siente sobresaturado y con ganas de expresarse libremente? Pues hacer lo que a uno le gusta, y Joe Carnahan hizo exactamente eso con su nueva película, “Smokin’ Aces.”

La trama es ridículamente familiar si se es fanático de las películas de Tarantino o Guy Richie: Buddy “Aces” Israel es uno de los cabecillas de la “Cosa Nostra” en Estados Unidos. Cuando su rival, en su lecho de muerte, pone una recompensa para que lo asesinen, Buddy decide que se va a entregar al FBI, dándoles toda la información que necesitan para desmantelar la mafia a nivel nacional, a cambio de protección.

Naturalmente, todo mundo y su abuela se entera de esto, y por medio del destino un grupo disparejo de matones, sociopatas, asesinos a sueldo, agentes federales y ex-policías convergen en un hotel de Lake Tahoe, Nevada… donde Buddy Israel reside, en el penthouse del mismo. Acción, violencia, sangre, balas (muchas balas), una que otra teta y Alicia Keys en shorts chuchones componen la trama esta cinta, una que mientras no tiene mucha sustancia o argumento que digamos, tiene todos los elementos de una película divertida y cargada de adrenalina.

Todos los personajes de la cinta (y hablo en serio cuando digo que todos) son básicamente caricaturas; muchos son los tipos de personajes que fácilmente podrían ser encontrados en un comic. El ejemplo primario de esto es definitivamente la inclusión de los Tremor Brothers, tres hermanos provenientes de padres diferentes que son lo peor que pudo haber salido del sur Estadounidense. Fanáticos del nihilismo, sociopatas, neo-nazis altamente peligrosos que cargan machetes, morteros, sierras eléctricas y ametralladoras con cero dudas a la hora de halar el gatillo, los Tremors son solo 3 de la docena de matones buscando cobrar la recompensa de 1 millón de dólares por llevarle a Primo Sparazza el corazón de su Némesis, Buddy “Aces” Israel.

Alicia Keys hace el papel de Georgia, una asesina a sueldo que junto a su compañera de “trabajo” Sharice (Taraji P. Henson) y su rifle calibre .50 van al hotel en busca de Aces. Hay más asesinos dando vueltas tratando de llegar al último piso, que está cerrado al público y repleto de guardias con armas de alto calibre: Pascale Acosta (Nestor Carbonell), Lazlo Soot (Tommy Flanagan) y El “Swede” (Vladimir Kulich) llegan bajo sus propios medios a intentar llegar al penthouse. Además, hay 3 ex-policías caza-recompensas contratados por Sparazza para traer a Buddy Israel, interpretados por el desaparecido Ben Affleck (de las películas de Kevin Smith, un par de Michael Bay, “Daredevil”), Peter Berg (director de “The Rundown” y “The Kingdom,” actor en películas como “Collateral,” “Great White Hype,” entre otras) y Martin Henderson (una sola palabra: “TORQUE”). Finalmente, el FBI es representado por Ryan Reynolds (“Van Wilder,” lo único salvable de “Blade: Trinity”) y Ray Liotta (quien colaboró con Carnahan en su ultima cinta “Narc”), dos compañeros de hace años que son asignados para recoger a Israel y llevarlo a Washington para que testifique.

Después de la introducción de los personajes, hecho en el estilo patentado por películas como “Snatch,” el diálogo inspirado por Tarantino pasa a ser un elemento de exposición para así unir las vidas de estos degenerados en Tahoe, todos con un solo objetivo: Buddy “Aces” Israel. La trama toma sus giros “inesperados” y discusiones sacadas de una de las miles de películas imitadoras de “Pulp Fiction” que salieron poco después del ’94, para así llegar a un explosivo tercer acto.

“Smokin’ Aces” no trae nada nuevo al ruedo, y será recordada como una película entretenida que canaliza a Tarantino vía un proxy de Guy Ritchie, ajustado para que sea inherentemente americana con el uso de la estética visual que identifica la visión cinematográfica de Carnahan. A resumidas cuentas, es una película que cualquier fan de películas de gangsters, acción y elencos espectaculares apreciará. No es recomendada para aquellas personas buscando sustancia y argumentos sólidos en las cintas que ve, ya que esta no tiene nada de ambas.

Pero sí tiene a Alicia Keys en shorts chuchones.

Aunque ya está siendo anunciada en los cines Panameños, todos aquellos curiosos pueden adquirirla en DVD tanto en línea como en tiendas de DVD de la localidad. Yo la compre y no me arrepiento, porque es el tipo de película perfecto para cuando llego a la casa de un largo día de trabajo y no tengo ganas de pensar en nada, si no simplemente divertirme.

Un día de verano de 1984 dos amigos (y artistas de la escena independiente del comic) tomaron lápiz y papel para así desahogarse a costa de los títulos más populares de su época: Daredevil: El Hombre Sin Miedo y Nuevos Mutantes de la casa Marvel, Cerberus de Dave Sim y Ronin de Frank Miller. Llevando su sátira al nivel más absurdo posible, los dos artistas recogieron todo el dinero que pudieron y, con la ayuda de un préstamo de parte del tío de uno de ellos, Kevin Eastman y Peter Laird publicaron la primera edición de “Las Tortugas Ninja Adolescentes Mutantes.”

El tiraje se vendió instantáneamente, y fue en ese momento que los creadores se dieron cuenta que la historia de 4 tortugas alteradas genéticamente por una sustancia desconocida en un alcantarillado llegaría a ser no solo uno de los iconos de los años 80, sino un fenómeno cultural de proporciones épicas que no solo llevó el concepto de “la cómica vende el juguete, mientras que el juguete vende la cómica” a niveles ridículos sino que también le abrió las puertas a todo artista y su mamá para que lograra publicar su producción independiente sin los problemas con los que se topaban antes de este suceso. La popularidad de las Tortugas Ninja lograda por la cómica, sin embargo, fue un arma de doble filo; es cierto que las Tortugas Ninja iniciaron una revolución en el sector independiente de los comics, trayendo el género a las masas comerciales, pero con ello vino un precio muy alto.

La cómica diluía de sobremanera el tono original del comic para así hacerlo más mercadeable a la demográfica joven. Como resultado, no solo se perdió la violencia, comentario social y tono adulto de la historia original, sino que rápidamente el mundo fue invadido por las Tortugas Ninja, versión cómica. Juguetes, cereales, artículos para la escuela, de cocina, juegos de mesa, espectáculos para niños en parques de diversiones, libros para colorear, y hasta 3 películas salieron de la tortumanía. Todo lo que sube tiene que bajar, y una vez que se abusó de la imagen de los reptiles mutantes vino la siguiente moda,… y las tortugas fueron dejadas atrás.

Recientemente (2003), después de casi 10 años de publicar el comic sin el alboroto de los medios y así creando uno de los títulos más diversos en todo el mundo de la novela gráfica, hubo una resucitación de la franquicia con una nueva cómica, esta vez con los creadores originales al mando y con un enfoque más serio, al igual que la política de mantenerse fiel al material original. Como resultado, la nueva serie de las Tortugas Ninja Adolescentes Mutantes acaparó la atención de tanto la generación que creció con ellos en los años 80 como el público joven que espera mucho más de su entretenimiento que yo cuando era niño. Usando la popularidad renovada, el estudio Imagi, radicado en Hong Kong, produjo la 4ta película de la saga, llamada simplemente “TMNT.”

Expuse la historia de las Tortugas porque esta película, ya en cartelera, no lo hará: “TMNT” asume que su audiencia ya está familiarizada con el origen de estos 4 hermanos y su padre/sensei que resulta ser rata, y por esa razón no se toma el tiempo de hacer introducciones concierne a los personajes principales. Haciendo referencias a las 3 películas que la precedieron pero sin aferrarse a ellas, esta cinta comienza con un equipo que se ha separado con el pasar del tiempo. Leonardo, el centro espiritual del grupo, se encuentra en las junglas de Sudamérica, entrenando para ser un mejor líder. Rafael, el renegado, no le sienta bien la decisión de su hermano y se ha dado a la vida vagabunda. Mientras tanto, los otros dos hermanos han conseguido trabajos, con todo y que no pueden ser vistos por la sociedad: Donatello, el cerebro, trabaja desde su casa desempeñándose en lo que solo él podría hacer y Michelangelo, el fiestero, trabajando como… ehh, lo que solo él podría hacer. Abril O’Neil dejó de ser reportera/asistente para tomar trabajos más peligrosos usando a Lara Croft como modelo a seguir, y Shredder ha muerto. Los únicos que no han cambiado son Splinter, el padre adoptivo de los hermanos y Casey Jones, el novio de Abril y aparentemente el único justiciero que le da la cara al hampa que ha tomado la ciudad de Nueva York de rehén… bueno, él y el misterioso NightWatcher.

El destino (y una nueva amenaza) reúne a Leonardo con su familia para así regresar a los buenos tiempos de las Tortugas Ninja. Un empresario quiere recoger a sus “generales” de piedra y así dominar al mundo… solo las tortugas, con la ayuda de sus amigos, pueden detenerlo, pero primero tienen que resolver sus diferencias y trabajar como equipo una vez más…

Cualquier persona mayor de 20 que esté en contacto con su niño interno se verá inundado por la nostalgia. Hay algo muy gratificante en ver a las tortugas en acción nuevamente, y en lo personal hubo muchos momentos en los que soltaba una risa idiota por los detalles que tiene la película. La tensión entre Leonardo y Rafael, Donatello peleando con su “Bo” y hasta las veces que Michelangelo dice “cowabunga,” un frase totalmente estúpida ahora que lo pienso bien, me tenían tan pendiente como al niño de 10 años que le acaban de dar el juguete más espectacular de la historia.

En los aspectos técnicos del estudio Imagi superaron expectativas; la decisión de hacer esta cuarta parte de la saga en animación por computadora fue muy acertada, especialmente con el estudio situado en Hong Kong al mando. Habrán escenas (automáticamente pienso en una escena clave de la película que da lugar en el techo de un edificio mientras llueve, con dos personajes que se tienen ganas de partir en pedazos desde que se re-encontraron al principio de la película) que son simplemente asombrosas, y los detalles en las tortugas fueron trabajadas hasta el cansancio. Sin embargo, los personajes mantienen un aire de cómica que combina muy bien con el ambiente que se plantea, dando lugar a mucha acción y aventura con todos los elementos que uno puede esperar de las películas taquilleras de hoy en día.

Aunque sigue siendo un comercial para vender juguetes disfrazado de película animada (una cuña que funcionó al 100% ya que los diseños de los personajes, y especialmente de los generales de piedra, son excelentes. Ya me veo comprando la línea entera) y te deja con la sensación de que es el primer episodio de una nueva serie de las Tortugas Ninja, “TMNT” es altamente recomendada para todo niño que creció en los 80´s y lleva los recuerdos de su infancia bajo el hombro.

Ahh… y para bien o para mal, no hay Vanilla Ice en esta película.

Basada en la novela gráfica escrita por la leyenda del comic Frank Miller y la ilustradora Lynn Varley (ex esposa del creador), que a su vez es inspirada en la famosa Batalla de las Termópilas, “300″ se estrenó en salas de cine Panameñas el pasado 30 de Marzo. Decir que me gustó la cinta no describe en su totalidad mi apreciación hacia la misma, ya que el film dirigido por Zack Snyder (el mismo de la nueva versión de “El Amanecer de los Muertos”) reúne 3 de mis más grandes pasiones: el cine, los comics (o novelas gráficas, si es que uno quiere tirárselas del más serio), y la era greco-romana.

En el 2004, cuando se anunció que el director Robert Rodríguez (la trilogía de El Mariachi y Spy Kids, Del Crepúsculo al Amanecer) iba a dirigir una película basada en la serie de novelas graficas de Sin City, escritas por Frank Miller, 100% fieles en cuanto al “look” de las mismas, la mayoría de los críticos desestimaron la idea. Su criterio fue reforzado cuando se anuncio que la cinta se filmaría en su totalidad con la ayuda de computadoras, filmando a los actores frente a fondos verdes para así añadir los ambientes y demás efectos en post producción. Nadie sabia qué esperar de Rodríguez y Miller, este último tomando también el manto de co-director además de productor y guionista, considerando que la ultima cinta en usar el método del “fondo verde” (“Star Wars Episodio II: El Ataque de los Clones”) fue una decepción para muchos… de repente, algo interesante ocurrió: los avances aparecieron en la Internet, acaparando la atención de millones y provocando análisis y comparaciones de escenas de la película con pasajes de las novelas gráficas; en algunos casos, las imágenes parecían dos gotas de agua. Para cuando se estrenó la cinta, “Sin City” ya había sido considerada un triunfo de tanto la tecnología gráfica como de lo que uno puede hacer con tan poco dinero (“Sin City” es una película que debió haber costado $100 millones de dólares pero Miller y Rodríguez la realizaron por $40 millones, cuadruplicando dicha cifra en taquilla y DVD). Siguiendo la tradición del respeto al material original de donde se adaptan las obras de un autor, Zack Snyder realizó, con la asesoría del autor, la obra “300,” relatando los acontecimientos de la Batalla de las Compuertas Termales (o Puertas Calientes) en donde 300 soldados Espartanos se enfrentaron a las fuerzas invasoras provenientes de Persia… el ejercito mas grande de la historia, con más de un millón y medio de soldados. Este film es protagonizado por Gerard Butler como Leonidas, el rey de Esparta en el año 480 A.C.

Si lo que buscas es una cinta que sigue los hechos históricos del relato al pie de la letra, entonces “300” no es para ti; la trama es simple sin enredos, como todo buen film de acción debe ser. Pero claro, juzgando por los posters y avances, aquella persona que pague su boleto para verla no lo estará haciendo por su valor histórico… y como película de acción, “300” cumple de tal manera que será recordada en la posteridad.

Frank Miller es el tipo de autor cuyos diálogos no son fáciles de digerir una vez habladas por los actores; sin embargo, debido a las actuaciones de Gerard Butler (el Rey Leónidas, el personaje principal y la razón primordial de porque “300” será recordada por muchos años), Lena Headey (la Reina Gorgo, una mujer a la par del rey, bella, fuerte e inteligente), David Wenham (Dilios, nuestro narrador) y la compañía de actores que conforman la película se convierte en un espectáculo lleno de momentos memorables, frases dignas de cita y una cinematografía impecable. Han habido críticos que comentan acerca del contenido político que puede o no tener la película debido al momento en que estamos viviendo con tanta guerra y sufrimiento, pero dado el hecho que uno, tras analizar la película un poco más a fondo (algo que los realizadores nunca quisieron, estoy seguro) es fácil ver que ninguno de los bandos en conflicto es bueno o malo… o mejor dicho, se puede decir que cualquiera de los dos puede ser el héroe o villano en relación con la guerra que se desarrolla en el Medio Oriente. Lo que eleva a “300” de ser una película de acción común y corriente no es su contenido político, ni la destreza técnica de los realizadores; debido a la técnica de los ya-mencionados “fondos verdes” utilizados en esta producción, Snyder ha creado una “hiper realidad” en donde absolutamente todo, desde los cielos inspirados en Monet, los cambios de color y hasta las criaturas asombrosas que aparecen a lo largo de la cinta es verosímil con el ambiente en donde los Espartanos batallan contra los Persas.

Aunque no es una adaptación tan fiel como lo fue “Sin City,” tiene la marca de Miller en todo momento, perfeccionado por la sensibilidad artística y toque maestro de Snyder. Sangre digital, decapitaciones y extremidades volando por el aire son captadas por el lente hiperactivo del director, jugando con la velocidad de la acción para que así el espectador vea absolutamente todo, con lujo de detalle. La suma de todas las partes mencionadas hacen de las escenas de batalla clásicos del cine moderno, como la escena del lobby en “The Matrix” y la escena del pasillo con el martillo en “OldBoy,” entre otros.

Si hay alguna crítica que merece ser mencionada, es que para que una cinta con el calibre estético de “300” pueda ser apreciada como debe ser, se debe ver en una pantalla digital. Los granos y sucio presentes en las presentaciones de hoy en día, aunque sean parte de la experiencia de ir al cine tanto como lo es compartir con una audiencia, le quitan lo que debe ser verdaderamente bello en una sala digital… o IMAX, si habamos de algo con mayor escala. Sin embargo, “300” es un film altamente recomendado tanto para aquellos fanáticos de acción como los del genero del comic.

Hoy, después de muchas semanas, tuve la oportunidad de ir al cine, fui a ver Babel y entre los trailers pasaron el de Apocalypto, la nueva masacre de Mel Gibson.

Recordé que hacía algunas semanas que había visto esta película y que se me había pasado escribir mis comentarios al respecto, así que aquí van: Apocalypto son 2 horas que se pasaron sin darme cuenta porque es extremadamente entretenida y el ritmo al que se cuenta la historia es muy rápido…ah, ya que toco el punto de la historia, no esperen mucha, ni de la ficticia ni de la real…por un lado gran parte del tiempo se invierte en ver gente sangrar, morir y correr como locos…por el otro lado, la película no es históricamente correcta. Pero lo que si encontrarán es una cinematografía impresionante. El cast de totales desconocidos hace que nos sintamos inmersos en el relato y la verdad es de las mejores actuaciones de un grupo de desconocidos que he visto.

Antes de verla había leído que era la película más violenta y sangrienta que se había filmado…pues no es cierto, al menos en esta película la violencia tiene sentido y aporta algo a la historia. Personalmente, prefiero Apocalytpo a películas igual de sangrientes o peores como Saw (sólo vi la primera) o The Hills Have Eyes (sólo veré la primera).

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SPOILER WARNING!!

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Bueno, ya adverti. Babel es una buena experiencia, pero como dicen los entendidos en consumo de drogas, la primera experiencia no se compara con las subsequentes, tiene los elementos esperados, la música de Gustavo Santaolalla, la interconexión entre las historias, y un Brad Pitt que sabe a hostia.

Lo interesante de la película es que quienes no son actores entrenados, los árabes se roban el show. El niño del rifle se toma toda la pantalla y logra toda la empatía de (este) espectador.

El camino

El hilo conductor de la historia muchas veces es un camino de tierra y la soledad del desierto, un desierto es un desierto y un par de niños en el desierto son siempre un par de niños en el desierto. No, error… un par de niños (gringos) en el desierto es diferente a un par de niños (mexicanos) en el desierto. El desierto y la frontera dan paso a una pequeña historia de inmigrantes y de la dureza de no ser local. También da una excusa para una demostración de fuerza cinematográfica, pónganle atencióna la fiesta de bodas. Calidez mexicana vs. frialdad americana.

Pérdida y niños

Babel es la historia de dos niños árabes, dos niños gringos y una niña japonesa, y de sus respectivos padres. Los niños gringos perdieron un hermano (y perderán una nana), la niña japonesa perdio su madre, los niños arabes perderán un hermano. Los niños gringos tienen a una Nana Mexicana para calmar su dolor , los niña japonesa a un oficial de la policia, y los niños árabes también enfrentarán su pérdida. Quizás tenga algo que ver con la historia personal del director y su propia pérdida. La dedicatoria de 21 gramos fue la siguiente : “A María Elaida, porque cuando ardió la pérdida reverdecieron los maizales”. Luciano, el hijo del director, Alejandro González Iñárritu murió a los dos dias de nacido.

Babel, en cambio termina con una dedicatoria a los hijos de el director , Maria Eladia y Eliseo

Me parece que es una buena película, y la mejor escena, es la del niño de siete años con una gran puntería dandole plomo a unos soldados detrás de una peña.

5.7/10

Esta película tiene muchas similitudes con La Vita é Bella pero es un poco menos trágica y digo un poco porque el tema de la guerra y las personas que se ven afectadas por ella nunca es fácil de digerir.

Roberto Benigni interpreta a Attilio de Giovanni , un profesor de poesía que está tratando de enamorar, sin mucho éxito, a Vittoria, interpretada por la esposa de Benigni Nicoletta Braschi. La primera parte de la película tiene mucho de comedia, tal como en La Vita é Bella. La tragedia empieza cuando Vittoria viaja a Baghdad para escribir un libro y queda en el hospital en coma con un edema cerebral. Cuando Attilio se entera hace todo lo que está en sus manos para llegar a Baghdad y tratar de ayudar a Vittoria a recuperarse cuando está por estallar la invasión de Estados Unidos. En la película también participa Jean Reno otro de mis actores favoritos.

Si les gustó La Vita é Bella y les gusta el estilo de Benigni, les recomiendo esta película. Reirán, llorarán y reirán un poco más mientras lloran.

IMDB

Alfonso Cuarón nos trae este drama semi apocalíptico basado en la novela The Children of Men (1992) de P.D. James, la raza humana esta a punto de ver su propia extinción, 18 años han pasado desde que la ultima mujer dio a luz un bebé. Todas las mujeres del mundo han quedado estériles, y los científicos no tienen idea del porque, ni como hallar una solución.

Es el año 2027 y el mundo entero está en caos, los gobiernos fallan, la anarquía y atentados terroristas están por doquier. Inglaterra es el único país que aun mantiene un poco el orden imponiendo un nuevo régimen, manteniendo aislados a todos aquellos que no sean ingleses en campos de detención.

Un milagro ocurre, una inmigrante queda embarazada y una organización llamada “Human Project” es la única esperanza de ella y de su bebe para estar a salvo, pero la única forma de llegar ella, es atravesar el caos.

El personaje principal no se transforma en un super héroe, atraviesa el país entre el caos y la guerrilla callejera sin utilizar un arma. Esta aunque no es una película de guerra, muestra sucuencias muy bien logradas creando una atmósfera increíble. Esta es probablemente la mejor película que he visto en el año.

Elenco:

Clive Owen – Theodore Faron
Julianne Moore – Julian Taylor
Chiwetel Ejiofor – Luke
Charlie Hunnam – Patric
Danny Huston – Nigel
Claire-Hope Ashitey – Kee
Peter Mullan – Syd
Pam Ferris – Miriam
Michael Caine – Jasper Palmer

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Información en imdb.com 8.0/10
Reviews en rottentomatoes.com 94%